viernes, junio 29, 2007

Una vez más Quijano, en El Otorongo (Peru.21) y en El Comercio

La edición impresa el día de hoy de El Comercio anuncia la expo de Quijano que abre a las 8 pm en La Culpable. El suplemento El Otorongo de Peru.21, ha dedicado varias ilustraciones en ácida y divertida tinta, referidas al tema. Aqui cuelgo dos.

El Otorongo:








El Comercio:

Dibujo. Piero Quijano
Diecisiete años de humor inteligente
El artista presenta una selección de sus dibujos publicados en diversos medios a lo largo de una fructífera labor


Luego de la polémica desatada en torno a esta muestra, por la supuesta censura de algunos de los dibujos de Pedro Quijano en la casa-museo José Carlos Mariátegui, que llevó al artista a finalmente cancelar la exposición, "Dibujos en prensa 1990-2007" podrá ser por fin apreciada en el espacio del colectivo La Culpable, ubicado en Barranco.

Con fina ironía, Pedro nos guía por diversos momentos de nuestra historia reciente, recorriendo nuestra idiosincrasia.

En palabras de Quijano: "En 1994 dibujé para la sección Artes & Letras del semanario 'El Mundo', que dirigía Alfredo Barnechea. Los dibujos me los pedía Alonso Ruiz Rosas, hasta que 'El Mundo' se volvió diario, bajo la dirección de Blanca Rosales".

Hacer caricatura política no es una tarea fácil. "Otra vez pude ilustrar las notas que llegaban a la página editorial, siempre con libertad para interpretar las opiniones ajenas, algunas antifujimoristas, otras semifujimoristas, otras de técnicos independientes (recontra fujimoristas mientras calentara el sol)", dice el artista.

En esta labor, Quijano añade que ha pasado por diversos estilos y materiales, llámense pincel, rotring, lápiz, bic, sin tener que colorear los dibujos.

La selección de más de ochenta dibujos sobre papel podrá ser visitada desde hoy, a partir de las 8 p.m., en una nueva inauguración que el colectivo La Culpable ha calificado de protesta y solidaridad.

Sin restarle importancia a la denuncia hecha por el artista, ante la aparente injerencia de autoridades del Instituto Nacional de Cultura (INC) en este acto de censura, y a la espera de que se realice una seria investigación para aclarar lo sucedido, rescatamos que finalmente, pese a todo, el trabajo de Quijano haya primado.

Más información
Dónde: La Culpable (Sucre 101, Barranco). Horario: De lunes a viernes de 4:00 p.m. a 8:00 p.m.

miércoles, junio 27, 2007

Piero Quijano, en La Culpable

Aquí la información que llega sobre la expo de Piero Quijano reloaded, que inaugura este viernes a las 8:00 pm en La Culpable: Sucre 101, Barranco.


¡Perú, país de caricaturas!

HIPOCRITAS: NO PASARAN



En la mañana del lunes 25 de junio del año 2007, Piero Quijano se dirigió a la Casa Museo Mariátegui a descolgar los dibujos enmarcados que, pacientemente y con la sola ayuda de sus amigos, colgara el jueves 21 por la mañana para su inauguración en esa sala. Por la tarde de ese mismo jueves, dos funcionarios (as) del INC acataron las órdenes de descolgar la banderola y retirar el dibujo y los afiches que lucían una versión de la famosa foto de los norteamericanos victoriosos en Iwo Jima, pero con unos soldados enterrando -en ordenada coreografía piramidal- una bayoneta a un campesino tirado en el piso. Su leyenda: La nación a sus héroes. Tal visión (“sesgada” para algunos bienpensantes) resultó ser un proyectil inmejorable en contra de quienes tienen miedo de la opinión diversa y libre, pero sobre todo demostró que el humor sigue siendo una herramienta que produce urticaria en los poderosos y sus obedientes servidores.
Una versión afirma que al pasar esa tarde delante de la Casa Mariátegui, el General Edwin Donaire, sin duda manejando un auto del año cuya gasolina es pagada con el dinero de los contribuyentes, sufrió un ataque de ira y digitó desde el Ministerio de Defensa y con pleno conocimiento del ministro Allan Wagner, el retiro de banderola, afiches y dibujo a través de algún otro funcionario vía la propia directiva del INC, la historiadora católica y ultraconservadora, Cecilia Bákula.
Desde aquí suponíamos que, o bien miró toda la muestra y seleccionó con gallardo tino militar aquello que debía ser retirado, o bien cegado por el ultraje de su propia conciencia, pisó el acelerador a fondo e hizo las llamadas respectivas. Pero luego de saber que las propias funcionarias enviadas por el INC bajo las órdenes de los militares, hicieron la selección respectiva y eligieron todo lo demás que debía quedar y aquello que debía irse, nos inclinamos a pensar que no sólo acataron con rastrera eficiencia las órdenes superiores, sino que incluso creen que vamos a aceptar la mongólica versión que destilaron de manera anónima en el diario Perú.21, diciendo que aquello había sido “una selección alterna a la presentada de acuerdo con el espacio”. Muy elegante, sólo que en otras palabras, esa fue una selección arbitraria por encima de la decisión del artista y por supuesto en su contra. O en buen criollo, la pura basura de la censura.

Ese mismo jueves, las obedientes funcionarias del INC (Carina Moreno y Soledad Mujica, para baldón de la historia) sacaron otro dibujo que parecía removerles las llagas, ¡esta vez en sus propios pagos! De este modo, descolgaron la caricatura de un hipotético Machu Picchu privatizado, en el que dos yuppies circulan libremente mientras que el sirviente de seguridad le impide la entrada a un campesino cusqueño con chullo (en el segundo plano, sobre la montaña, reza el fantástico MachuPictures).
(Risas)
Y sin embargo, no contentas con censurar dichas caricaturas, regresaron el viernes a vetar otra en la que aparecía Alan García (pero, un momento… cómo lo reconocerían?) llevando un pin en la solapa que rehacía una broma de la primaria pero en clave política: TLC y TDG 1BB. El argumento para su censura: que se inmiscuía en la vida privada del presidente. Risible y estúpido argumento que nos hace pensar que, en efecto, hay un terror de los funcionarios de estado a que su presidente haya embarazado a alguien o esté al borde de hacerlo, o que el propio presidente no acepta una broma realmente de primaria. Todo esto cuando en realidad hay varios que pensamos que el tema no discutido y nunca realmente debatido del TLC con el resto del país (hacerlo sería sin duda “sesgado”) sí es un tema que se inmiscuye de manera abusiva y autoritaria en la vida privada de toda la ciudadanía.

Pero volvamos a la realidad: ¿Porqué se censuran estas imágenes? ¿Qué hay en ellas que provoca la estúpida decisión de prohibir, ocultar, desinformar cínicamente desde el estado peruano? ¿Es sólo la mera costumbre de un estado hecho históricamente de la rapiña, del autoritarismo, de la exclusión, de la corruptela y del culto bobalicón al “principio de autoridad”?

No sólo todos estos dibujos circularon ampliamente en diversos diarios y revistas muchas veces y en algunos casos muchos años antes, sino que, como queda claro, no fueron censurados en su momento, sencillamente porque al estado peruano y sus gobernantes no les conviene pisar el callo del periodismo. Pero es muy distinto cuando tienen la oportunidad de hacer el uso bravucón que los caracteriza para imponer su voluntad sobre el lado débil de la sociedad y la ciudadanía. ¿No es ese acaso el tema del afiche censurado? Claro que lo es, y ellos lo saben y no les gusta que la gente lo sepa y lo recuerde. Mucho menos que se lo critique -ni siquiera en broma, por supuesto-.

Pero por otro lado, por obra de un curioso efecto, cada vez que hay algo en la libre expresión de la gente (artistas, o no) que devela los asuntos que se pretenden ocultar de la realidad, aparecen los martirizados de la “sensibilidad herida” y se rasgan solemnemente la camisa negra o el camisón púrpura, o ambas, porque hoy en día combinan bien. Las llamadas instituciones tutelares de la patria (que recordemos que nadie eligió) se ven reflejadas con horror en los simples trazos de un lápiz sobre un papel. Excepto que, hablemos claro: ¿dónde dice ahí que esos héroes y esa nación sean las peruanas? O en todo caso ¿cuál es la historia reciente (y no tan reciente) por la cual ahí se reconocen? Sin duda les parece “evidente”, pero ya sabemos lo que esas “evidencias” han costado en nuestra historia, sobre todo en números de asesinados extrajudicialmente por varios bandos.
Aun sin la pretensión de agotar un tema (ese no es el reino de un dibujo de esta naturaleza) la caricatura política de Piero (como la de sus predecesores de hace más de un siglo) sigue siendo una herramienta inteligente, y nada parece más alterar a los poderosos que la carcajada lúcida en la que se ven destrozados, ellos y sus discursos, por muy “tutelares” que se quieran ver a sí mismos.
El trabajo artístico también está para eso. Aunque les moleste y aunque no les guste a todos.
Censurada la muestra de Piero, el espacio La Culpable, al cual él pertenece como artista y amigo desde sus inicios, ha decidido ceder sus paredes para la muestra, sin censuras de ningún tipo, más bien como desagravio y gesto solidario y también por supuesto como gesto divertido de aprecio personal.
El espacio La Culpable, que es un espacio autónomo, como muchos espacios de artistas que han aparecido en la última década, quiere recordar que su autonomía se origina en la necesidad de establecer distancia de estas violentas reacciones y conductas oficiales, entre las que se cuenta el completo abandono y el desprecio por el arte, la educación y la cultura nacional. Ahora un dibujo ha venido a desestabilizar el aguado consenso bienpensante sobre el cual se apoya feliz el proyecto de control militar de las conciencias, la expresión y el pensamiento de la población.
Desde aquí, queremos protestar por la censura estúpida en contra de un artista y su obra. En otro lado (La República, 27/6/07), ese gesto ha sido llamado, y con razón, una insolencia fascista y eso es precisamente lo que es. Pero no es la primera vez y con seguridad tampoco será la última. En estos mismos días en que otros sectores del oscurantismo mundial han censurado una muestra de artistas peruanos en la ciudad española de Valencia, controlada por el PP y Opus Dei, llamamos a cerrar filas y protestar masivamente en contra de la estupidez, el autoritarismo y el militarismo.

No importa cuál sea su argumentación, no les creemos. Tampoco confiamos en ningún gesto futuro de ellos. Y de quienes están detrás de esto no esperamos nada en la vida nacional.
Y en todo caso, bienvenido el debate y la discusión, no la estupidez.
CONTRA LA CENSURA

La Culpable

martes, junio 26, 2007

Sala LMQG / Sala RPB

Aquí unas vistas de los espacios remodelados y extendidos de las Salas de la Municipalidad de Miraflores. En adelante, cada cuando en vez, participaré de sus contenidos.

Sala Luis Miro Quesada Garland
Larco y Diez Canseco.









Sala Raúl Porras Barrenechea
Larco 770







lunes, junio 25, 2007

Judith Westphalen en las nuevas salas de Miraflores

Ayer en la sección Luces del diario El Comercio, apareció esta nota de Enrique Planas sobre las Salas de la Municipalidad de Miraflores. La inauguración de la exposición: Judith Westphalen. En las lineas de su tiempo (1944-1976), curada por Armando Williams -con la asistencia en investigación de Sharon Lerner- es este jueves 28. Un trabajo de registro y catalogación minucioso que se lucirá en público al mismo tiempo que las remosadas y extendidas salas con que ahora cuenta la gestión de Gerencia de Cultura de la Municipalidad. La muestra será además un significativo eslabón entre la dirección y el equipo anterior -liderado por Luis Lama- y el actual, conformado por Rodrigo Quijano, Miguel López, Sharon Lerner, Ruben Ramos, Rafaél Bellido, además de quien escribe estas lineas. Asistan este jueves y estén atentos a otras noticias así como a las propuestas que se desplegarán en adelante. Aquí el artículo de Planas:



EN MIRAFLORES. Renovado circuito de arte
Las galerías ya están listas
Las 16.000 personas que cada mes visitan la sala Miró Quesada Garland en Miraflores encontrarán evidentes cambios. Muestra de Judith Westphalen inicia nueva etapa

Por Enrique Planas

Después de cambios y recambios, renuncias y nuevas contrataciones, parece que por fin las galerías de arte del distrito de Miraflores ofrecerán un nuevo rostro. Las salas están terminadas y la última fecha fijada para su inauguración es impostergable: el 28 de junio.

El encargo para dirigir las galerías miraflorinas ha recaído ahora en un respetado curador y crítico de arte: Rodrigo Quijano, como lo había anunciado recientemente la Gerencia de Cultura de la Municipalidad de Miraflores a través de un comunicado.

El nuevo director de la oficina de Artes Plásticas de las galerías Luis Miró Quesada Garland y Raúl Porras Barrenechea ha formado un joven equipo de trabajo integrado por Emilio Tarazona, Sharon Lerner, Miguel López López, Rubén Ramos y Rafael Bellido, con el que --según Quijano-- más que presentarse como un director, mantendrá una forma de trabajo horizontal, sin jerarquías.

En ese sentido, esta nueva gestión ha decidido mantener dos de las ambiciosas exposiciones que ya habían sido preparadas por la anterior gestión dirigida por el crítico Luis Lama, dedicadas a Judith Westphalen y Reynaldo Luza, y prometen darle un espacio a la escena emergente del arte contemporáneo local.

"Las galerías de Miraflores tienen un público enorme que varía entre las 8 y 16 mil personas por mes en la galería Miró Quesada Garland. Ante semejante cantidad de público, buscamos inyectarle un dinamismo que se había venido perdiendo. Creemos que se puede establecer un equilibrio tratando de hacer menos solemne la apreciación artística, evitando ese distanciamiento entre una obra de arte y la mirada del público masivo, que no siempre es especializado. La idea es que este participe de la manera más abierta posible", explica Quijano.

Si bien es cierto es la primera vez que tanto Quijano como su equipo se enfrentan al reto de administrar un circuito de galerías, sí habían trabajado en distintos proyectos municipales en una anterior gestión, a cargo del crítico Jorge Villacorta, siete años atrás. Si bien se trata de una responsabilidad nueva, el trabajo es harto conocido para ellos.

"Lo que más nos estimula es la plataforma del equipo reunido. Todos somos curadores con experiencia para plantear iniciativas frescas en el espacio artístico", señala Emilio Tarazona, uno de los miembros del equipo de la flamante oficina de Artes Plásticas.

Por lo pronto, ya están listas para abrir sus puertas dos galerías remodeladas, radicalmente más amplias. "Ambas difieren mucho en carácter, en diseño y en el uso de paredes. Los espacios son absolutamente diferentes", advierte Quijano, para quien la galería Luis Miró Quesada Garland, más tradicional y homogénea, se adapta a las muestras más limpias y convencionales, mientras que la sala Raúl Porras Barrenechea, más recortada y caprichosa con sus columnas y agujeros, se adapta mejor a propuestas documentales.

LAS NOVEDADES
-Situada en el Palacio Municipal, esquina de Larco con Diez Canseco, la galería Luis Miró Quesada Garland cuenta ahora con un área de 190 metros cuadrados, con siete paneles movibles que se pueden ubicar según el guion museográfico. Posee un depósito, oficina y servicios higiénicos.

-La sala de exposiciones Raúl Porras Barrenechea (Larco 770), en el sótano del Centro Cultural Ricardo Palma, ha quintuplicado su anterior tamaño y ha crecido a un área de 246 metros cuadrados.

-Asimismo, para una mejor presentación de las muestras, las galerías cuentan con un televisor plasma de 50 pulgadas, dos reproductores de DVD, un proyector multimedia de 3.200 lúmenes, además de otros materiales museográficos.

-El 28 de junio ambas salas se abrirán al público con una muestra dedicada a Judith Westphalen, con obra plástica, fotografías y documentos.

INC: o el extraño caso de la censura cínica

Este es el informe que la Oficina de Comunicaciones del INC ha remitido, afirmando que no han hecho lo que todos saben que han hecho. Ahora dirán que Piero Quijano se auto-censuró. Lo cierto es que su "Sintesis Informativa" del fin de semana, que compila el material en prensa sobre acontecimientos culturales, no ha informado de ninguna nota aparecida en Perú 21 y otros medios, haciendo con ello una absoluta "Sintesis desinformativa" de la semana con respecto a este suceso. Añado los contenidos del Boletín enviado por la misma oficina del INC y una carta de respuesta a ellos por Víctor Castro.



COMUNICADO

El Instituto Nacional de Cultura (INC) lamenta que el artista Piero Quijano haya decidido retirar los dibujos que integraron su muestra denominada Dibujos en prensa 1990-2007, la cual fue inaugurada el día
jueves 21 de junio en la Casa Museo José Carlos Mariátegui y que se prolongaría hasta el 21 de julio.

Hacemos de conocimiento que la realización de esta exposición fue coordinada directamente por el Sr. Armando Williams, director de la Casa Museo José Carlos Mariátegui, quien debió asumir el rol de curador de la exposición, siendo responsable por el desarrollo de la misma.

Por lo tanto, rechazamos la afirmación de una supuesta censura a la exposición.

El INC no ha recibido a la fecha los documentos relativos a la entrega de las piezas a exponer ni a las razones del Sr. Quijano para el retiro de las mismas.

El INC es un ente que brinda amplia colaboración a los artistas y creadores, sin haber ejercido presión o censura alguna, caracterizándole la amplitud de criterio.

Oficina de Comunicaciones.





Sábado, 23 de junio del 2007Patrimonio bajo el lente del mundo
EL PERUANO, LA REPÚBLICAEn Christchurh (Nueva Zelanda) empieza la 31ª Reunión del Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO, en la que se examinarán el estado de conservación de los 31 sitios del patrimonio mundial inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro. En esa lista se halla la ciudadela de Chan Chan.

Concierto de la OSN Infantil y Juvenil
EL PERUANO
Un concierto gratuito ofrecerá mañana la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil e Infantil, elenco del INC. La presentación se realizará a las 7. 30 p.m. en el auditorio Los Inkas del Museo de la Nación. Javier Prado Este 2465, San Borja.

Escenifican Inti Raymi
EXPRESO
Más de 150 personas escenificaron el Inti Raymi en la Plaza de Armas de Pueblo Libre. Quienes asistieron a la Villa de los Libertadores pudieron ver un representativo pago a la tierra.

Yuyas triunfan en Noruega
EL PERUANO
El grupo de teatro Yuyachkani terminó con éxito sus presentaciones en la ciudad de Porsgrunn (Noruega), donde presentaron su trabajo Sin Título. Técnica Mixta, además de otras performances.

Comienza Ruta Inka
EL PERUANO
La asociación peruana Ruta Inka convocó a jóvenes seguidores de la culturas andinas de todo el mundo a participar de la cuarta edición de Ruta Inka 2007. Tras las huellas del legendario Manco Cápac, que tendrá una duración de 40 días y unirá pueblos milenarios de Bolivia, Chile y Perú. Información: www.rutainca.com.pe

Noche de arte en Lima
EL COMERCIO

Reportaje gráfico de las personalidades que visitaron el Museo de la Nación con motivo de la actividad organizada por la Embajada de Estados Unidos, Noche de Arte 2007.

Emilio Adolfo Westphalen, cazador de figuras
LA REPÚBLICA

La nueva edición de la revista Martín trae fotografías inéditas tomadas por el poeta Adolfo Adolfo Westphalen. Según Jesús Ruiz Durand, responsable del trabajo gráfico de dicha revista, las imágenes fueron cedidas por Silvia Westphalen, escultora e hija del poeta.

Más allá del galardón
LA PRIMERA
En la reciente muestra colectiva La otra cara de la medalla, 35 artistas ganadores de una medalla de oro otorgada por el Centro Cultural de Bellas Artes presentan sus trabajos. Hasta el 13 de julio. Dirección: Jr. Huallaga 402, Cercado de Lima. Ingreso libre.

Joseph & Anni
EL COMERCIO
Dos esposos alemanes renovaron el arte moderno inspirándose en antiguas culturas prehispánicas. Su trabajo se presenta en la muestra “Anni y Joseph Albers. Viajes por Latinoamérica”, la cual se inaugura este 27 de junio en el Museo de Arte de Lima.

Carlos Germán Belli entre candidatos a Príncipe de Asturias
EL COMERCIO

El poeta peruano Carlos Germán Belli figura entre los candidatos al Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2007. El jurado iniciará sus deliberaciones el próximo martes y hará público su fallo al día siguiente.

Palabras mayores
EL COMERCIO, Revista Somos

La universidad Pedro Ruiz Gallo de Lambayeque, la Embajada de Francia y la Biblioteca Nacional del Perú (BNP) traen a Lima al gran pensador francés Edgar Morin, probablemente uno de los últimos humanistas vivos del siglo XX. El lunes 25 ofrecerá una conferencia en el auditorio de la ciudad universitaria de San Marcos y el martes 26 presentará el libro Los siete saberes necesarios para la educación del futuro, en el auditorio de la BNP. Ingreso libre.

En caso de no desear seguir recibiendo esta información, reenvíenos este mail indicando como asunto REMOVER DE LA LISTA. Si desea suscribir a nuevas personas en nuestra base de contactos, reenvíe este correo indicando en el asunto INCLUIR EN LA LISTA, junto con los datos de la persona a inscribir (nombre completo, dirección, centro de trabajo, teléfono y correo electrónico).

Oficina de Comunicaciones
Instituto Nacional de Cultura





Correo electrónico remitido a la Oficina de Comunicaciones del INC

Buenas Tardes
Me sorprende altamente que se editen noticias de interés, y no sean incluidas en su boletín diario, como la aparecida en la revista Somos sobre la exposición de Piero Quijano y la de Perú21 donde se critica la CENSURA que el INC comente contra la misma exposición.
Creo que si han acostumbrado a la comunidad a recibir este boletín que cubre ampliamente TODO lo relacionado al DEBATE cultural del país, no deberían seguir CENSURANDO el tema y afrontar, las reacciones naturales que se sucederán ante tales hechos.
Me gustaría pudiesen corregir su postura y reseñar las notas mencionadas.
Atentamente

victor castro
Escultor

Williams, Quijano y la censura en la casa del amauta

Me han hecho llegar este comunicado confirmando el retiro de las obras en la exposición de Piero Quijano de la Casa-Museo José Carlos Mariátegui, por mutuo acuerdo de el artista y el director de la institución, Armando Williams. Decisión que pone en evidencia la necesidad de no mantenerse silenciados ante la usurpación de funciones y no permitir nuevamente absurdos atentados contra la libertad de expresión.

Comunicado

En vista de la censura que las autoridades del INC han ejercido sobre el afiche, la banderola y tres dibujos de la exposición "Dibujos En Prensa/1990-2007", y siendo a estas alturas patente la deformación de dicha muestra, los suscritos, Armando Williams, director de la Casa Museo Mariátegui, y Piero Quijano, expositor, hemos decidido de común acuerdo retirar los trabajos expuestos.
Esta censura es preocupante porque todo indica que obedece a una intromisión de funcionarios del Ministerio de Defensa en temas que competen al INC, y porque es un atentado contra la libertad de expresión en nuestro país.
Esta muestra ha estado abierta a todo tipo de crítica, pero es inaudito que funcionarios del estado (y el estado en el Perú somos, en teoría, todos) pretendan clasificar y vetar trabajos artísticos. Los dibujos de la muestra han sido publicados con anterioridad en diferentes medios de circulación nacional, por lo que este tipo de censura alcanza también a los editores de dichos medios que autorizaron su publicación.

Armando Williams

Piero Quijano

Lima, 24 de junio de 2007

sábado, junio 23, 2007

Expo de Piero Quijano curada por el Ejército del Perú

Reproduzco aquí el artículo aparecido hoy en el diario Peru.21, periódico en el cual artista Piero Quijano colabora, sobre su exposición "Dibujos en prensa (1990-2007)". Una muestra antológica recientemente inaugurada y censurada por presión del ejercito peruano. La imagen del afiche de la exposición esta siendo ya bastante difundida por internet y ha aparecido en Peru.21 y en la revista Somos el día de hoy. La muestra, con algunas bajas -varios dibujos han sido retirados de la exposición, debidas a la (siempre mala) puntería del ejército- se exhibe en la Casa Museo José Carlos Mariátegui hasta el 21 de julio. Aquí el artículo.



Militares censuran muestra de pintor
INC recibió presión del Ejército para modificar exposición de colaborador de Perú.21.

Un oficio enviado por el comandante general del Ejército, Edwin Donaire al Instituto Nacional de Cultura (INC) -con conocimiento del ministro de Defensa, Allan Wagner- originó que la exposición del pintor Piero Quijano en la Casa Museo Mariátegui fuera censurada. El detonante de esta reacción fue un dibujo que, aludiendo al monumento a los soldados de Estados Unidos en Okinawa, en la Segunda Guerra Mundial, muestra a un grupo de soldados peruanos levantando un fusil contra la cabeza de un campesino andino.

Los afiches y la banderola que reproducían este dibujo así como el original fueron apartados de la exposición antes de la inauguración y, al día siguiente, fueron retiradas otras tres obras. "Espero que todo lo que ha sido apartado sea repuesto a la mayor brevedad posible", demandó Piero Quijano. "Respetamos al artista, solo hemos planteado una selección alterna a la presentada de acuerdo con el espacio", señalaron voceros del INC.

EL CAMINO DE LA CENSURA. No es función del Ejército establecer qué se expone en las instalaciones culturales del Estado y es deber del INC rechazar injerencias como esa, porque sucede que la censura, una vez que empieza, no termina nunca.

Ejemplo: si la idea era proteger la imagen del Ejército, entonces por qué retiraron, luego, un dibujo del año 95 que parodiaba una hipotética privatización de Machu Picchu y otro que mostraba al presidente Alan García con un pin que decía "TLC y te dejé un bebé".

"Sobre el dibujo del TLC, dijeron que no debía ir porque aludía a la vida personal del presidente. Y sobre el de Machu Picchu, dijeron que no era oportuno justo ahora que el Perú quiere levantar su imagen. Así van a quitar todos los dibujos, porque todos tienen algún contenido irónico", finalizó el artista.

martes, junio 19, 2007

Natalia Majluf: "El arte peruano no está en el mapa"

La edición de hoy de Peru21, hace una estrevista a la Directora del Museo de Arte de Lima, Natalia Majluf. En el contexto de el anterior post, vale la pena sumar opiniones o comentarios.


Natalia Majluf: "El arte peruano no está en el mapa"

Natalia Majluf es la directora del Museo de Arte de Lima (Mali), el museo privado más importante del país. Hace unos días se anunció la creación del Mali Contemporáneo, una iniciativa que, más que un espacio físico, desea crear la institucionalidad necesaria para que nuestro arte reciente tenga una presencia en el mundo y se convierta en un espacio de promoción, desarrollo y reconocimiento de los artistas peruanos e, incluso, de los ciudadanos de a pie.

¿En qué consiste el proyecto del Mali Contemporáneo?
Busca consolidar, dando un paso más allá, el trabajo fuerte y comprometido que, en el Mali, realizamos hace una década. Por el momento no está pensado como un espacio físico. Nuestra intención es descentralizarnos. El gran reto de las instituciones culturales es formar un nuevo público.

Llevar el arte a otros espacios, constituidos y por constituir.
Exacto. Aprovechar la infraestructura existente. Por eso, queremos llevar nuestra colección a algunas capitales de provincias, ir hacia los suburbios de Lima. El Perú no tiene una tradición de museos, no hay un acceso amplio a la información sobre arte. Entonces, no podemos sentarnos y esperar al público. Por eso, sacar nuestra colección, crear nuevos espacios y promover actividades artísticas son algunas iniciativas importantes que surgen con este nuevo proyecto. Recordemos que, en el arte, tan importante como el espacio físico es el contenido. Por eso, son valiosas las curadurías.

¿Cuál sería la función del Mali?
La principal función de los museos es formar una colección. Las colecciones son el legado cultural de un país: de su pasado, de su pasado reciente y de su presente. Las colecciones nos ayudan a crear narrativas sobre la historia del país. Sin este patrimonio no se puede generar un debate sobre el arte contemporáneo en el Perú. Hoy tenemos una colección de más de mil obras. Trabajamos para que no nos pase lo que le ha pasado al Perú: que, por falta de previsión, no se actúe en el momento adecuado. Por eso, nuestros museos no están a la altura de la tradición cultural del país.

¿Cómo ve el panorama de nuestra plástica actual?
Se ha convertido en una de las zonas de producción más interesantes de la sociedad peruana. Y, lo más importante, se ha logrado articular un grupo consistente de artistas jóvenes. Sin embargo, necesitamos fortalecer la institucionalidad en torno al arte contemporáneo porque el Estado no tiene una sola fuente de apoyo a la creación artística, no ha creado mecanismos de apoyo a nuestros artistas. Los está delegando a las instituciones privadas como la nuestra. Esto es muy grave. Aunque lo peor está en nuestra legislación, que no incentiva el apoyo al arte, a la inversión cultural.

Es decir, hay un grupo valioso de artistas que no encuentra instituciones ni incentivos que respalden su trabajo.
Exacto. No estamos aquí para quejarnos. Queremos continuar con nuestro trabajo a pesar de las dificultades. Además, esperamos que surjan nuevas iniciativas. Por ello, es bueno el anuncio de la creación del MAC-Lima. Nuestra ciudad es inmensa: un solo museo es insuficiente. Necesitamos más para que nuestro trabajo sea más consistente. Hoy, lamentablemente, el arte peruano no está en el mapa. Pero debería y podría estarlo si trabajáramos juntos.

(Foto.1): Natalia Majluf. Foto: Yaél Rojas. Peru21.

lunes, junio 18, 2007

Alcalde de Barranco: sobre el MAC-Lima


Hoy lunes, el diario oficial El Peruano, en su sección de Actualidad, publica una entrevista con Felipe Mesarina, Alcalde de Barranco, quien desconoce el contrato vigente establecido para nuevos plazos con el IAC en la construcción del MAC-Lima. A pesar de ello, afirma: "No queremos que Barranco sea conocido como un lugar donde se pueda tomar licor hasta las siete de la mañana, sino más bien comoun distrito turístico y atractivo, de tal manera que el visitante extranjero sienta el deseo de visitarlo antes de abandonar el Perú". Reproduzco el artículo:

Actualidad
PROYECTO. Alcalde de Barranco, FELIPE MEZARINA, intenta recuperar Tradición del distrito.
Enfrentará incumplimientos:
- Plazo de obra del museo era de 10 meses y ya lleva cinco años
- Se espera informe para definir situación de locales de la playa


Paul Neil Herrera Guerra
pherrera@editoraperu.com.pe


La proliferación de locales de diversión y la creación del Museo de Arte Contemporáneo en el distrito limeño de Barranco son objeto de ciertos cuestionamientos por parte de la actual gestión municipal, que anhela transformar esta comuna en el principal lugar turístico de la capital. Conversamos con el burgomaestre barranquino, Felipe Antonio Mezarina Tong, quien confirmó que tramitará la resolución del contrato suscrito con los constructores de dicho museo en virtud de supuestos incumplimientos contractuales detectados, y dijo que esperará que la Contraloría General de la República se pronuncie sobre la situación de algunos locales de diversión. Se refirió además a los principales logros en lo que va de su gestión.


¿Existen obras realizadas en la gestión anterior que se inauguran recién, sin su autorización?
–Se trata, concretamente, del Museo de Arte Contemporáneo. Me enteré que su presidente expresó su agradecimiento por el respaldo recibido de la municipalidad de Barranco y ocurre que no hubo tal apoyo. El 31 de mayo anuncié que en los siguientes días resolveríamos el contrato de concesión firmado con el Instituto de Arte Contemporáneo el 6 de marzo de 2002, para la construcción del museo, por cuanto dicho contrato ha sido lesivo para Barranco.


¿A qué se refiere?
–Sucede que se suscribió por 60 años y conllevó la destrucción de un patrimonio turístico y cultural que era el centro cívico de Barranco. El alquiler del terreno, de 15 mil metros cuadrados, para el museo es sólo por la suma de mil nuevos soles por año. Además fueron talados árboles con más de 50 años de antigüedad y desapareció la laguna del antiguo zoológico de Lima. Eso no es todo, el levantamiento del museo debió culminarse a los diez meses de firmado el contrato, pero ya pasaron cinco años y ni siquiera está al 40 por ciento, no obstante que se firmaron después tres adendas y un acta de trato directo, para ampliar el plazo de su edificación. Vamos a enviarles una carta notarial de resolución de contrato.


¿Cuál es la situación de pubs y discotecas, principalmente los ubicados en la playa?
–De octubre a diciembre de 2006 se emitieron 47 autorizaciones para locales, la gran mayoría a fin de que funcionasen como pubs. No queremos que Barranco sea conocido como un lugar donde se pueda tomar licor hasta las siete de la mañana, sino más bien como un distrito turístico y atractivo, de tal manera que el visitante extranjero sienta el deseo de visitarlo antes de abandonar el Perú. No estoy en contra de la inversión privada, pero ésta tiene que hacerse de acuerdo con la ley y en beneficio de la municipalidad, lo que no ha sido así.


¿Qué piensan hacer?
–Esperamos el informe solicitado a la Contraloría General de la República acerca de estos locales. Según eso, procederemos. Haré respetar lo que por derecho les corresponde a los barranquinos y limeños.


Seguridad vecinal
1 En la “distritalización” de la PNP están juntos Barranco y Surco. Además, Radio Patrulla funciona en la cancha Unión.
2 Seis patrulleros recorren el distrito y seis policías motorizados se encargan del tránsito. Además, 20 efectivos a pie realizan rondas en pareja.
3 En la calle Talana se brindará un nuevo local a la PNP, para que pueda accionar mejor ante cualquier requerimiento de los vecinos de la zona.


Principales logros
El 31 de mayo, la autoridad del distrito expuso en el parque central de Barranco, ante 800 vecinos, la situación en la que se encontraba la comuna, cuya deuda asciende a unos 22 millones de nuevos soles. Se dispusieron también medidas inmediatas a fin de mejorar el cobro de las deudas tributarias. Otra acción fue la implementación del Plan Zanahoria, mediante una resolución de alcaldía por la que se estableció que los locales de esparcimiento podían funcionar sólo hasta las 03.00 horas; aunque en la gestión anterior se expidió una resolución similar, pero fue mal aplicada porque los locales seguían atendiendo a puerta cerrada después de esa hora.


Mezarina explicó que antes las discotecas pagaban 90 nuevos soles semanales para funcionar después de esa hora, pero agregó que se desconocía quién recibía ese dinero. También se consiguió incrementar el personal de serenazgo de 12 miembros a 52, y se integrarían 10 más; aunque el alcalde asegura que lo ideal es trabajar con 90 o 100 efectivos. No obstante, la seguridad ciudadana en el distrito ha mejorado, sobre todo porque hay más intervenciones conjuntas del serenazgo y la Policía Nacional del Perú (PNP).

domingo, junio 17, 2007

Documenta 12 / Fietta Jarque

En Babelia, suplemento cultural de El País, Fietta Jarque ha publicado esta nota el fin de semana sobre la Documenta 12 en Kassel, inaugurada el pasado viernes. Crítica de arte, periodista y cuentista en Lima –y a quien tuve oportunidad de conocer brevemente en Madrid, en mayo pasado- vive en España desde los años ochenta y ha publicado una novela (que cabe muy bien en el género de novela histórica) en 1998, bajo el título de Yo me perdono. Reproduzco el artículo, y añado una entrevista de diciembre de 2006 al director artístico de la Documenta, Robert Buergel, realizada por la misma autora.

Cuento de la jirafa y las sillas chinas
El director de Documenta 12, Roger Buergel, y la comisaria Ruth Noack convocan al arte del futuro frente al pasado
Fietta Jarque

El País

Kassel es una ciudad silenciosa y verde, situada en el corazón de Alemania, que cada cinco años recibe a más de medio millón de visitantes a lo largo de 100 días. Llegan a Documenta, gran muestrario del arte contemporáneo que a lo largo de 60 años ha venido marcando pautas para el desarrollo de la creación plástica. La 12ª edición que se inauguró ayer pretende plantear algunas interrogantes sobre la relación con el arte del pasado o la verdad que brota a veces de un gesto mínimo. Un lugar donde conviven al mismo nivel un sutil dibujo a lápiz con una jirafa tamaño natural (Peter Friedl), o una escultura serpenteante que atraviesa un gran salón y se escapa por la ventana (Iola de Freitas). El director de Documenta 12, Roger Buergel, y la comisaria Ruth Noack han querido poner el énfasis en la educación hacia el arte. Hasta tres días antes de la inauguración no revelaron la lista completa del centenar de artistas invitados con cerca de 500 obras. Sólo habían dejado trascender algunos nombres, como el del cocinero Ferran Adrià, un gesto mediático que ha tenido tanta repercusión que ha ensombrecido hasta ahora el proyecto expositivo. Aunque prácticamente nadie ha cuestionado el genio creativo del chef de El Bulli, sí que se ha criticado en los medios artísticos a Buergel por esta maniobra publicitaria.
Pero quizá los fuegos artificiales del chef mediático hayan sido sólo eso: el llamativo disparo de salida de una gran exposición que huye del top 100 del mercado para invocar la magia del arte nacido al cobijo de la idea y el silencio. ¿Qué es lo que muestra Documenta 12? Hay cinco grandes centros para las exposiciones. El museo Friedricianum recibe a los visitantes con un juego de espejos de reflejos infinitos y ¡fútbol! El checo residente en Berlín Harun Farocki estrena una instalación de vídeo titulada Deep Play, basada en la final de la Copa del Mundo de 2006. Doce monitores diseccionan tecnológicamente el juego, la estrategia o los movimientos de los jugadores a través de estadísticas, cuadros y sensores. En la planta superior, la coreógra-fa norteamericana Trisha Brown mantiene a un grupo de bailarines en una performance casi continua, mientras el visitante empieza a encontrar por aquí y allá grupos de antiguas sillas de la dinastía Quing (1644-1911), todas distintas. Una presencia que se extiende a otras sedes. Son mil y una sillas que forman parte de la propuesta del chino Ai Weiwei, que ha invitado a Documenta al mismo número de compatriotas suyos a una experiencia de inmersión cultural. Un proyecto titulado Cuento de hadas por Kassel, la ciudad de los hermanos Grimm.
En todas las exposiciones de Kassel hay un juego temporal por el que entran en relación piezas de distintas épocas. Ruth Noack explica esta decisión a partir de su responsabilidad hacia un público amplio y no siempre familiarizado con las creaciones más recientes. "No es una muestra sólo para expertos sino también para unos visitantes fascinantemente ajenos al arte", según ella. "Necesitamos mirar hacia las raíces. Vivimos un tiempo de migración de las formas y es interesante comparar distintas expresiones". Así, en una sala pueden convivir antiguos grabados iraníes junto a los grandes y laboriosos tapices o mosaicos fotográficos de Zofia Kulik. O los finísimos bordados en seda blanca con motivos femeninos (los dedos de un pie, una vulva, una oreja con un pendiente) de la china Hu Xiaoyuan con las chocantes pinturas barrocas del chileno Juan Dávila.
Cruzando un bellísimo parque se llega al Aue Pavillion, una especie de invernadero de 10.000 metros cuadrados construido para la Documenta. Pero es quizá en la Neue Galerie donde se encuentra lo mejor. Resaltan las obras de dos norteamericanos, Mary Kelly presenta una instalación autobiográfica, y James Coleman, en un enorme espacio vacío, su vídeo Retake with evidence, en el que el actor Harvey Keitel asume un personaje de profundo y contenido dramatismo. En el alejado castillo de Wilhelmshöhe, hay unas escasas piezas que culminan el juego de contrastes que propone Documenta. En lo alto de una verde colina, se encuentra este museo que alberga colecciones de arte antiguo, con una importante colección de rembrandts. Mezclados entre esas pinturas aparecen cuadros y vídeos contemporáneos, y, disimulado, un exquisito grabado de Hokusai, de 1835: un premonitorio código de barras. ¿Es la modernidad nuestra antigüedad?, es uno de los lemas de Documenta. ¿Cuál es la vida al desnudo?, es otro. Hay 100 días para ir al encuentro de estas preguntas y sus respuestas.


ENTREVISTA Robert Buergel - "Los artistas deberían boicotear las bienales"
Fietta Jarque

El País.

Tiene ademanes suaves, voz tranquila y amable, pero no teme sublevar los ánimos en el mundo del arte. Robert Buergel (Berlín, 1962) es el director de la Documenta 12, una cita quinquenal que ha marcado en cada ocasión las tendencias del arte contemporáneo y que se celebrará entre el 12 de junio y el 23 de septiembre de 2007 en Kassel. A Buergel le interesa particularmente la "educación" del espectador a través del arte, para suscitar en él las preguntas y respuestas que lo inciten a tomar parte activa en los conflictos de la sociedad actual.

PREGUNTA. Hace poco ofreció en Barcelona una conferencia titulada: ¿Qué es una exposición? ¿Cree que estamos en un momento del arte contemporáneo en el que es importante volver a las preguntas básicas?
RESPUESTA. No sólo es importante volver a las preguntas básicas del arte sino también a las de la condición humana. Hacer una exposición es algo más que mostrar el arte. Tiene que ver también con cómo te diriges al público y cómo pretendes que la gente se relacione entre sí en un espacio común donde pueden reaccionar unos con otros, o simplemente ignorarse. Yo concibo la exposición como un medio en sí mismo, por derecho propio. Necesitamos un concepto fuerte del medio para sobrepasar lo que tendemos a identificar como arte. Porque creo que es importante que lleguemos a una nueva idea de nuestro mundo que no esté enmarcado por la concepción europea-norteamericana de lo que es el arte.
P. En las últimas ediciones de la Documenta la política ha sido uno de los asuntos que más ha interesado a los comisarios. ¿Se centrará su exposición en esos asuntos o prefiere extenderse a otras áreas?
R. Depende de cómo se defina la política. Hay en el arte una noción retórica de lo político, que suele definirse a través de imágenes identificables de los conflictos. Algo que va desde los problemas entre israelíes y palestinos al hambre en África, los campos de refugiados o las minorías en Australia. Pero yo no estoy seguro de esta función retórica del arte. El elemento político debe estar en la capacidad de la exposición de envolver a la gente, de activarlos, de movilizarlos. Que empiecen a sentirse conectados con el mundo. Porque lo que suele suceder es que la gente ya está bien informada de lo que sucede y no tienes que contárselo, pero lo que no saben es cómo actuar o cómo intervenir para sentirse más próximos al proceso de la toma de decisiones. Este proceso de toma de decisiones está confinado a círculos muy cerrados, aunque sus decisiones afectan a todos. Creo que lo que tiene que hacer una exposición, especialmente si conecta a todas las regiones del planeta -porque Documenta sigue representando ese paradigma universal-, es activar a la gente a hacerse cargo de sí mismos, no de una forma egoísta o narcisista, sino como un elemento indispensable para construir la sociedad.
P. Mucha gente se sorprendió cuando eligió a Ferran Adrià para asistir a la Documenta como único artista español. Siendo un gran creador, revolucionario, pone de relieve valores como la belleza y el placer, una relación más hedonista con el arte, más que una toma del pulso de la realidad actual.
R. No creo que se deba huir de la belleza y el placer en el arte contemporáneo. Tampoco creo que su trabajo se reduzca a la búsqueda del placer y el hedonismo. Es también un desafío porque te induce a digerir cosas que apenas son identificables. Es un reto que quiero subrayar, esa dimensión única que se da en su cocina. No creo que su comida sea necesariamente "cómoda". Y para sobrellevar la extrañeza de su cocina debe haber un elemento fetichista a su alrededor. Yo me pregunto si alguien de los que acuden al restaurante de Adrià sería capaz de comerse lo mismo en una taberna de mala muerte.
P. ¿Cree que llevarían a ese cocinero a un juzgado de guardia por intento de envenenamiento?
R. Es posible. La comida apela y desafía también a la inteligencia. En las reacciones críticas del mundo del arte hacia Ferran Adrià hay un poco de celos porque hoy no hay nadie en España, de esa generación, que se pueda comparar con su nivel de inteligencia formal. Por otro lado, cuando volvemos a la noción de modernidad en Occidente hay una barrera estricta, un control de lo que se puede considerar arte y lo que no. Parece un regreso a las antiguas categorías de arte autónomo y artes decorativas. Catherine David invitó a un artista tailandés que cocinaba en la Documenta 10. A nadie le importó. Si es alguien de Tailandia o India, no importa. Pero si es alguien de nuestra santa Europa, es un problema, porque es un reto, un desafío.
P. Y es también una estrella mediática...
R. Es que Documenta no es ajena al star system, no del todo. Al final estamos exponiendo un centenar de artistas y Ferran Adrià es el único cocinero.
P.Lo global y lo local son conceptos que tienen mucho que ver con esta Documenta.
R. Sí, claro. Pero al preparar esta muestra me di cuenta de que lo global no existe. Son las grandes empresas multinacionales las que deciden cuáles son los centros. Yo prefiero hablar de deslocalización, y es cierto que nuestra exposición va a enfocar ese tipo de rutas migratorias que tienen que ver con las relaciones comerciales y culturales, pero también con una fuga de cerebros como la ola de migración europea a América en la posguerra. Mi método curatorial consistirá en seguir la ruta migratoria de la forma.
P. ¿Cuál es su concepto de modernidad?
R. Soy europeo, por lo que mi idea de la modernidad empieza con la Revolución Francesa. No trato de disimular la cultura en la que me he formado, pero también sé que Europa exportó sus sistemas durante varios siglos a través de la colonización, el comercio y todo tipo de migraciones. Ahora esos conceptos están regresando, cosa que preocupa mucho a los europeos. Tanto por lo que les resulta reconocible en ellos como por las similitudes que no les parecen tales. Mi interés en sacar a relucir estas cuestiones en torno a la modernidad tienen que ver con el deseo de dirigirme a gente de todo el planeta. Todo el mundo tiene una idea de modernidad, pero cuando juntas a esas personas te das cuenta de cuán heterogénea es esa idea y a la vez lo local que se ha vuelto la modernidad. Por eso tiene sentido hacer una exposición sobre las modernidades locales. En primer lugar porque instruye al espectador europeo sobre algo que ellos creen que poseen y a la vez ofrece un acceso a culturas que no son en absoluto modernas, pero que son parte de una confabulación moderna.
P. ¿Qué le parece la coincidencia en 2007 de las ediciones de la Bienal de Venecia, la quinquenal Documenta de Kassel y los Proyectos escultóricos de Münster, que se realizan cada diez años?
R. Será interesante ver qué aportan esas tres importantes exposiciones en lo que se refiere a formatos de exhibición. Será una gran oportunidad de decir: basta, hagámoslo de otra manera. La Documenta tiene un público mayoritariamente alemán, que no va a Venecia, muy pocos a Münster. Es la única muestra de arte contemporáneo que ven, es gente que por tradición va cada cinco años. Para el mundo del arte será excitante, pero para nuestro público no tendrá mayor relevancia.
P. El formato de las bienales se ha multiplicado en los últimos años. ¿Qué opinión le merecen?
R. Las bienales son mortales para los artistas porque se les pide ideas rápidas, superficiales y generalmente no disponen de suficiente presupuesto para la producción de cada una de las piezas. Hay mucha chapuza y malas instalaciones. Tampoco es bueno para los comisarios por las mismas razones. Espero que llegado el momento, los artistas digan no y boicoteen las bienales.

[Foto 1]: Ibon Arranberri. Política hidráulica. Instalación, 2007. Foto: Associated Press.

sábado, junio 16, 2007

LimaFotoLibre, en pocas palabras...


La captura de la imagen es el corazón de este proyecto y esta página web que lo describe en el proceso de recorrido. BG Lima, Toni Pay, Fokus y Carlos Diaz –y, hasta donde parece ser, nadie más- se han involucrado en LimaFotoLibre para difundir y articular proyectos en torno a la fotografía.

Hay una refrescante anarquía en el uso de lo fotográfico y un desinterés absoluto por darle un algún plus (prestigio o valor) a lo profesional -exista o no-. Hasta ahora han colgado información sobre algunos proyectos de intervención -o presentación de su “rollo”, diríamos, usando ambos sentidos del término, ya que su página es más bien lacónica, pero efectiva-.

Estos han sido en las galerías Brasil (fines del 2006), tomando las calles con autoadhesivos en cualquier parte (una serie de 36 fotos en b/n realmente impactante como conjunto, pegadas hacia marzo de 2007), una exposición en La Culpable (en mayo, y que no alcancé a ver) y otra en el acceso a los pabellones de Estudios Generales de Letras de la PUC (en mayo también). Saludos.




[Foto 1]: Detalle de montaje. Exposición en La Culpable, mayo 2007.
[Foto 2]: Una de las 36 imágenes (serie sin nombre) pegadas en diversos lugares de la ciudad, en marzo 2007.

Miraflores: Sala LMQG y Sala RPB

Reproduzco aqui dos notas aparecidas en los últimos días sobre la nueva dirección del Centro de Artes Visuales de la Municipalidad de Miraflores. La primera en Caretas y la segunda en La República. Al igual que Rodrigo Quijano, todo el equipo ha asumido la propuesta -y el reto- de tomar las riendas de la Sala Luis Miro Quesada Garland (Sala LMQG)y la Sala Raúl Porras Barrenechea (Sala RPB) alejados de toda discrepancia previa a nuestra llegada. Hemos encontrado unas salas expléndidas, plenamente concluidas, y un equipo dispuesto a brindarnos el apoyo que requerimos para esta gestión. Salvo en mi caso, el de Rodrigo (y el del personal que nos brinda la Municipalidad), el equipo confirmado en pocos días está de momento disperso (Miguel López en Medellín y Sharon Lerner en Kassel), pero coordinando a distancia antes de su pronta incorporación.


Movido Miraflores
Rebeca Waisman

Caretas.

Problemas de organización dentro de la municipalidad regida por Manuel Masías, atrasos, trabas burocráticas y diferencias con Miguel Molinari, gerente de cultura. Ahora, además, Luis Lama, Armando Williams y Sol Toledo (Ivana Ferrer no pudo llegar a la entrevista), explican que luego de cinco tirantes meses trabajando en el Centro de Artes Visuales –en los que no contaron ni siquiera con el equipo mínimo–, decidieron mudarse a Corriente Alterna. Según Lama, un memo informando de esto a Masías y a Molinari, "y en el que aconsejé al alcalde que evaluara la capacidad gerencial de Molinari", fue considerado por este como una renuncia colectiva. "Al día siguiente, nosotros mismos la presentamos", apunta Lama. Molinari negó a Caretas que eso hubiera ocurrido y tampoco admitió que hubiera existido problema de comunicación alguno con los salientes. Se le preguntó si consideraba válido alguno de sus reclamos. "Se ha trabajado al cien por ciento con la municipalidad para ampliación e inauguración de las galerías", respondió.
Al margen de este incidente ad portas de la muestra sobre la relación creativa del matrimonio Westphalen (estaba programada para el 12 de junio, pero las galerías no iban a estar listas), ya existe un nuevo equipo: encabezado por Rodrigo Quijano están Emilio Tarazona, Miguel López y Sharon Lerner. Quijano –quien ya ha trabajado en las galerías de Miraflores cuando las dirigía Jorge Villacorta– toma enfática distancia de cualquier polémica, explica que el principal interés es inaugurar la muestra pendiente (entre el 26 y el 28, tentativamente), y ayudar a consolidar la escena artística contemporánea "con un sesgo de riesgo". Explica que se está evaluando el cronograma pendiente y que por lo pronto, la muestra dedicada a Godard no continuará. La de Reynaldo Luza, sí.
Mientras tanto, Lama, Williams, Toledo y Ferrer están considerando seguir con el proyecto de la bienal. "He recibido una carta de la directora del Instituto Latinoamericano de Roma (ILA) –que ve las actividades de América Latina para la Bienal de Venecia–, asegurándome su apoyo si es que decidimos hacer la Bienal de Perú", finaliza Lama.
Se puede adivinar en qué distrito no se realizaría.



Rodrigo Quijano es nuevo director de Oficina de Artes Plásticas

• Dice que forma un grupo que trabajará de manera horizontal.
La República

La gerencia de Cultura de la Municipalidad de Miraflores anunció a través de un comunicado el nombramiento de Rodrigo Quijano como director de la Oficina de Artes Plásticas de las galerías Luis Miró Quesada Garland y Raúl Porras Barrenechea. Acompañarán a Quijano en esta tarea un equipo integrado por Emilio Tarazona, Sharon Lerner, Miguel López López, Rubén Ramos y Rafael Bellido.

Quijano afirma que "más que de un director, se trata de un grupo que trabajará de manera horizontal, sin jerarquías. Se trata de un grupo de lujo, que no solo tiene experiencia, sino todas las pilas para trabajar.

La semana pasada renunciaron a esa dirección Luis Lama y su equipo porque, argüían, había poca seriedad en el manejo de las galerías. "De eso, la verdad, no tengo información. A mí me han llamado cuando Lama ya estaba fuera", dice Quijano.

viernes, junio 15, 2007

Hastings / Pintura


Difícil mantener una línea de continuidad en esa suma de tiempos a contracorriente que constituyen la trayectoria artística de Rafael Hastings. Hay algo sin embargo de persistente rebeldía en toda ella, aunque en un momento inicial haya sido -a pesar suyo- una contracorriente eruptiva y generacional, y ahora se haya más bien desplazado al margen de esa encarnizada búsqueda por aquello que pueda, de algún modo, estar en la ‘cresta de ola’. Una ola imaginaria o imprecisa siempre en cuanto a plástica contemporánea se refiere. Desde allí, su pintura más reciente afirma también una mirada lanzada con ironía sobre el mundo del arte, pero una ironía demoledora, para quien pueda percibirla, porque viene vestida de imágenes cuya solemnidad o gracia -acentuada por un enmarcado dorado o un preciso y elegante paspartout– hacen de sus lienzos una superficie engañosa o, cuando menos, un cortinaje o veladura que es preciso recoger para descubrir trás ella recintos menos deleitantes a los ojos y más inquietantes –y hasta sombríos- para la mente.

La superficie de la imagen es siempre una estrategia, por más fina y maravillosamente trabajada, y tras ella el erotismo –ligado de un modo extraño a la muerte- es una de las temáticas que Hastings ha hecho prevalecer por décadas. En efecto: el erotismo y la velocidad (ligados incluso a sus primeras acciones de la segunda mitad de los Sesenta), y la muerte que en otro tiempo constataba para la pintura (Instalación: El Espacio, 1970; reproducida en una versión en español en la exposición La persistencia de lo efímero, 2007); o incluso antes, para la imagen del propio artista pintado en ella, haciendo de su muerte un espectáculo, desplegado a modo de movimiento de cámara o edición cinematográfica (Ver Políptico: Secuencia de un asesinato, 1968).

No dispongo ahora de la extensión para acercamientos mayores a su trabajo que por el momento se quedan en el tintero. Estos párrafos son a propósito de la exposición que bajo el lacónico, glacial y tautológico nombre de Pintura, presenta Hastings desde ayer en el Centro Cultural Inca Gracilazo del Ministerio de Relaciones Exteriores.

Copio también una declaración suya incluida en el impreso:

“Para mi, evolucionar nunca ha tenido demasiado sentido mientras en ello no estuviera furiosamente presente mi vida vivida, en su proceso y sus contrasentidos, como mi memoria de las cosas. Mi sismógrafo personal no se interesa en cuando será el último-próximo terremoto en las artes, sino más bien, en la intransigencia de vivir aislado, en el tránsito terrestre de mis musas auxiliadoras y en los paisajes que hallaron mis primos los Mochicas. Me gusta esperar el momento preciso, oportuno, en el que a fuerza de intervenir con colores encuentro la luz que desplaza el entorno de nuestros rituales humanos”. Rafael Hastings.

La exposición esta abierta desde el 15 hasta el 28 de junio, de martes a domingo de 10:30 a.m. a 7:00 p.m. El ingreso es libre. El lugar: Jr. Ucayali 391. Lima 1.

jueves, junio 14, 2007

Artmotiv: Primer número


Ayer ha llegado a mis manos el primer número de una nueva revista de arte. Este nos trae un artículo de Carlos León X desde Berlín (sobre una exposición de Lachapelle y Nachtwey) -de quien no leíamos nada en mucho tiempo-; una mirada a la obra de Gordon Matta-Clark por George Simons, una reseña larga sobre el renovado Armory Show por Claire Luna (desde Nueva York); Así como aproximaciones al trabajo de Ricardo Wiesse y Eduardo Villanes (por Luis Agusti y Manuel Munive, respectivamente). Culmina con un extraordinario dossier con la obra de Luz María Bedoya, antecedido de una asertiva presentación de Miguél López. La portada la ocupa una obra de Carolina Rieckhof.

Me toca presentarla en la próxima semana. Aquí adjunto la referencia para quienes quieran enterarse de más:

INVITACIÓN

ESTÁN CORDIALMENTE INVITADOS A LA PRESENTACIÓN DE LA NUEVA REVISTA INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES, ARTMOTIV .

LA PRESENTACIÓN SERÁ EL LUNES 18 DE JUNIO A LAS 7 PM EN LA GALERÍA GERMÁN KRÜGER DEL ICPNA DE MIRAFLORES, AVENIDA ANGAMOS 160 MIRAFLORES, ESQUINA CON LA AVENIDA AREQUIPA.

LOS COMENTARIOS ESTARÁN A CARGO DEL DIRECTOR CULTURAL DEL ICPNA FERNANDO TORRES, DEL DIRECTOR GENERAL DE ARTMOTIV JOSEPH FIRBAS Y DE LOS CRÍTICOS EMILIO TARAZONA Y MANUEL MUNIVE.

LOS ESPERAMOS.
JOSEPH FIRBAS
Director-Editor

Miradas de fin de siglo. Versión 4.0



Adjunto el fragmento del boletín digital de Prensa del MALI:

JUEVES 14: INAUGURA
Miradas de fin de siglo IV: Popular/Pop (vanguardia, conflicto & modernidad visual), curada por Rodrigo Quijano.
Del 15 de junio al 21 de octubre de 2007

Jueves a martes de 10:00 a.m. a 8:00 p.m. (miércoles cerrado).

Presentada gracias al auspicio de Mercedes-Benz y Rímac Seguros, la muestra recorre una parte de la producción de las artes visuales locales y hace una reflexión crítica sobre el lugar de lo popular en el arte peruano. Asimismo, busca confrontar y cuestionar desde una perspectiva histórica, y no necesariamente cronológica, cómo cierta formalización "pop" es parte del perfil en que la cultura visual peruana se plantea una modernidad. “Pop en tanto obra vinculada al llamado arte pop, pero también en el sentido de masivo y popular, casi definitorio de un carácter nacional, en donde lo moderno ha sido por lo general visto como lo importado y ajeno; un carácter que ha ido modificándose y produciendo una modernidad propia y local a la vez”, precisa Quijano.
El curador plantea también una lectura sobre el cruce de lo popular, lo pop y lo político, “en la cual la masividad, el contorno de las modernidades y sus conflictivas versiones locales y sus extasiadas miradas sobre lo foráneo tienen algo que decir sobre el Perú, sus anhelos y sus realidades”.

Sobre esas coordenadas se arma esta última muestra de la serie Miradas de fin de siglo, importante proyecto con el cual el MALI reabrió su Sala de Arte Contemporáneo en noviembre de 2005.

miércoles, junio 13, 2007

MAC-Lima / MALI Contemporáneo / Sonoteca CFT

En el blog de Presencia Cultural, Kinua ha posteado un informe en video sobre los proyectos culturales que se han presentado -o revigorizado- estas semanas y que están ahora en curso de consolidación. Todo parece indicar que es un clima propicio para las ilusiones (y para trabajar en función de ellas). Saludos.

lunes, junio 11, 2007

MAC-Lima

Ayer apareció en El Comercio una nota de Élida Román en la que hace breve crónica de los avatares del proyecto del Museo de Arte Contemporáneo-Lima impulsado por el IAC, cuyo plan fue presentado el pasado jueves. En ella se insinúan las tensiones por las que ha atravesado hasta ahora el proyecto así como los retos trazados para su culminación y apertura.

Élida ha sido directora del Instituto de Arte Contemporáneo en lo que podemos llamar una 'época dorada' de la institución -durante la segunda mitad de los Sesenta- en la cual el IAC abandonaba su clásico local del Jr Ocoña y se trasladaba a la calle Belén.


Crítica de arte. MAC: recuento e invocación
Por Élida Román


El jueves 7, el Proyecto Museo de Arte Contemporáneo, a cargo del IAC, su creador y promotor, fue presentado en un evento que incluyó participación de artistas grafiteros, música electrónica y exposición del plan. Viejo propósito, imprescindible para la cultura local, ha sufrido tropiezos y paralizaciones por obra y gracia de actitudes desacertadas, trabas burocráticas, decisiones sin consenso, ausencia de un sistema de comunicación efectivo, desplantes personalistas, etc. Un acuerdo con una anterior administración del distrito de Barranco otorgó al proyecto un amplio espacio en el parque que se encuentra al ingreso del distrito, hasta ese momento ocupado por el edificio de un centro cultural en abandono y pésimas condiciones físicas, cercano a una pequeña laguna que también mostraba los estragos de la falta de cuidado y mantenimiento.

Acá surgió el primer escollo. No hubo diálogo en cuanto a conciliar lo existente con lo nuevo, en informar con claridad la situación física y las necesidades mínimas para la actividad que se programaba, en resolver diferencias y convencer sobre los cambios, buscando una participación vecinal que se sumase al emprendimiento.

El resultado fue la elaboración de un proyecto arquitectónico surgido de la buena voluntad y no de la concurrencia de criterios, ajustado a una sola visión y un solo parecer, y no surgido de un concurso abierto, como hubiese sido deseable.

La única convocatoria que se llevó a cabo fue la de la colaboración de artistas nacionales y extranjeros, quienes donaron obras a ser subastadas a fin de obtener fondos necesarios. El resultado no alcanzó a cumplir lo requerido y nuevamente se extendieron los plazos. El acuerdo con la municipalidad, ya con nuevas autoridades, que como las anteriores fueron elegidas democráticamente, fue renovado en dos oportunidades, plazos que no pudieron cumplirse por dificultades en la obtención del financiamiento.

Buscando una solución, se propuso fusionar el proyecto con otro similar que se había gestado para la creación de un museo dedicado a la obra del maestro Fernando de Szyszlo, y ofreciendo a cambio colocar el nombre de este en el original. Una sucesión inacabable de declaraciones y confrontaciones, sin las respuestas adecuadas que debieron haber aclarado totalmente la situación, no hizo más que enfrentar entre sí a promotores, artistas y público en una lamentable seguidilla de acusaciones mutuas y desentendimientos que, hasta la fecha, no han sido totalmente resueltos y que han dañado a todos. Como consecuencia, la directiva del Proyecto MAC-IAC renunció en pleno, y se nombró un nuevo directorio, presidido por el ingeniero Jorge Gruenberg, que asumió este pasivo y, ejerciendo una necesaria autocrítica, procedió a encarar el relanzamiento del proyecto desde una nueva perspectiva y encargó un estudio adecuado a una museóloga profesional, que lo ha elaborado en el transcurso del último semestre. Esto es lo que se dio a conocer al público.

Pero ahora nos encontramos con una nueva situación, que parece prolongar las sinrazones del pasado. Las nuevas autoridades barranquinas, encabezadas por su alcalde (que con vehemencia ha hecho pública su posición de impedir la prosecución del proyecto, y ha rechazado cualquier reunión con los responsables del mismo en un gesto que no se condice con las obligaciones y responsabilidades para las que ha sido electo) creen que lo mejor es destruir lo avanzado, y reconstruir casa y lagunita, y convocó a los vecinos a una manifestación de protesta, en lugar de llamar a una reunión amplia de diálogo en que se expongan ideas, voces alturadas prevalezcan y podamos, por una vez, emprender una tarea juntos, escuchándonos con la madurez que la inteligencia dicta y el respeto mutuo obliga.

sábado, junio 09, 2007

Dos entrevistas a Robert Storr


Es la primera vez que la Bienal de Venecia cae bajo la curaduria de un norteamericano. Pero también la primera que se premia con el León de Oro la trayectoria de un fotografo africano (Malick Sidibé). En un momento en que la oferta de exhibiciones internacionales de este tipo crece en todo el mundo, he cogido al vuelo dos entrevistas con Robert Storr a fin de acercarnos al contexto de esta edición del evento general. La primera apareció el viernes en ABC, la otra es anterior -aunque en muchos aspectos mejor- y está tomada de El cultural.


«La Bienal es democrática» Robert Storr- Director de la 52 Bienal de Venecia




Por: ÍÑIGO DOMÍNGUEZ
ABC. España.


VENECIA. Robert Storr es uno de los hombres más importantes del mundo del arte: ocupa el número 13 en la lista de personalidades influyentes de «ArtReview». Pero es muy accesible y tiene los pies en el suelo. Crítico de arte, se ha pateado el mundo buscando lo mejor para traerlo a Venecia. Es el primero en dar protagonismo a África, con un pabellón y el León de Oro a toda una carrera al fotógrafo Malick Sibidé.
-¿La Bienal es un concepto anticuado o aún tiene algo que decir?
-Sí, desde luego. La Bienal es una estructura, y si la usas bien hay muchas cosas que decir. Lo más complicado es dejar atrás los significados previos.
-¿Qué ha querido decir con esta Bienal?
-He intentado presentar una aproximación al arte y a cómo pensamos sobre él. Que las categorías, las divisiones, los términos críticos, académicos, son un impedimento para entender y experimentar. Que las divisiones entre lo conceptual y lo perceptivo son un malentendido. No existe una buena pintura sin una idea ni una buena idea sin una forma.
-Usted es el primer norteamericano que dirige la Bienal. ¿Le produce alguna presión?
-No. Cuando Rauschenberg fue el primer americano en ganar el gran premio en 1964 sí significó algo, abrió el mundo a las vanguardias americanas. Yo aporto dos cosas, creo yo. Una, que he vivido y trabajado en México y Holanda; no soy un americano provinciano. La otra cosa es que mi definición de América no es la que suele tener la gente. Es más Ginsbgerg, Whitman o Cage que John Wayne.
-¿Por qué su interés por África?
-Es muy simple, por ser americano: la cultura americana viene de los conquistadores, inmigrantes europeos, los indígenas y... los esclavos. Nuestra cultura es una mezcla de culturas y yo crecí en Chicago al lado del gueto, tenía muchos amigos allí. Es decir, la diáspora de África está en mi vida, por tanto me interesa el arte africano. En los últimos años ha habido muchas cosas interesantes en África, y la Bienal es la oportunidad de darlo a conocer.
-Hay críticas al pabellón africano por el origen dudoso de la fortuna del coleccionista.
-Yo no quería decidir qué galeristas africanos participarían y quise dar una oportuniad a todos. Hicimos una selección y un jurado eligió. La colección es el vehículo para mostrar unos artistas y la polémica es por el cuñado del cuñado del coleccionista, no sobre él. Nadie pregunta por los recursos financieros de Pinault o de muchos otros.
-¿Qué le parece el arte en España? Sólo ha seleccionado a un artista.
-Ignasi Aballí está porque lo que hace me resulta muy interesante. Estoy muy interesado en la escena española, y la sigo, pero había que elegir.
-Hay obras con carga política.
-Sí, pero no con un determinado mensaje, no trabajan como ideología. No dicen qué pensar, sino que dan una ocasión para pensar. La política es importante, es la mala política la que hace arte malo.
-¿Cuál es el descubrimiento más interesante que ha hecho?
-El grupo Morrinho, de Río de Janeiro. Trabajan en las favelas y sobre el universo de las favelas. Tienen un puesto central en la muestra, y han montado entre los pabellones minúsculos barrios de favelas.
-¿Qué es más importante hoy, una Bienal o una feria de arte?
-La Bienal es una fórmula democrática; el público puede entrar y tener una gran experiencia directa del arte.



Robert Storr
“¿Por qué celebrar el triunfo de la pintura? No es ninguna inválida”


ACHIAGA, Paula
El Cultural. España


Robert Storr, el próximo comisario de la Bienal de Venecia y uno de los gurús del arte contemporáneo, llega a Madrid para participar hoy en el ciclo de conferencias que sobre arte organiza la Fundación ICO. Desde su privilegiado minarete en el mundo del arte, Storr ha conversado con El Cultural de bienales y públicos, de museos, colecciones y pintura... Sus opiniones desvelan las claves del arte que viene y de la Bienal de 2007.
Recién aterrizado de Brasil, Robert Storr nos atiende entre clase y clase (es profesor en el Institute of Fine Arts de la Universidad de Nueva York) desde su despacho neoyorquino. Artista antes que crítico autodidacta, comisario y ex conservador jefe del MoMA, es por encima de todo un amante del arte. Sus credenciales: “Mirar atentamente, leer mucho y hablar con artistas”. Storr llega hoy a nuestro país, al auditorio de la Fundación ICO, para hablar de bienales y de cómo éstas influyen en nuestra percepción del arte contemporáneo. Ésta es la parte oficial del viaje, pero nos asegura que dedicará parte de su tiempo a ver “qué hay de nuevo en España.
Lo que vea me puede servir para Venecia”. Habrá que seguir sus pasos atentamente.

–¿Cómo llega un autodidacta a ser conservador jefe del MoMA y responsable de la Bienal de Venecia?
–No puedo responder a esta pregunta. No es falsa modestia pero, honestamente, no tengo ni idea y prefiero no especular. Lo que sé es que hay muchas maneras de aprender sobre el arte y no todas pasan por la jerarquía tradicional de la universidad o del museo. El primer, último y mejor paso es mirar atentamente, leer mucho y hablar con artistas. Eso es lo que hago y lo que continuaré haciendo, es mi hábito y mi credencial.

–Usted ha descrito la Bienal de 2007 como un salón global, que es también el título de su conferencia de hoy en Madrid (Las bienales, ¿foro para el arte o salón global?). ¿Es la clave para entender estos simposios sobre arte contemporáneo?
–Globalización es un término que está ya muy lastrado. Acepto la globalización con cautela si se refiere a la información compartida y si implica respuestas artificialmente homogéneas y uniformes.

–El pasado mes de diciembre, una treintena de especialistas se reunieron en Venecia para discutir el concepto y los objetivos de la próxima Bienal. ¿Cuáles son los retos de una cita que cumple 110 años?
–El debate de diciembre giraba en torno a temas que conciernen a todas las bienales que han surgido del modelo de Venecia y las diferencias que puede haber entre ellas. Y son estas diferencias lo que más me interesa; tener conocimiento de lo que implican estas distinciones y lo que ofrecen, aproximaciones alternativas, es el camino a seguir. Sin embargo, no se pueden trasladar directamente las propiedades características de Estambul o Shangai a Venecia, las circunstancias son muy distintas. Se debe interpretar las bienales como laboratorios y como retos positivos. La cuestión es echar vino nuevo a botellas antiguas. Hasta cierto punto uno puede diseñar la botella, pero tiene que escoger el vino nuevo con mucho cuidado. El gran problema y a la vez la gran esperanza es cómo se desarrolla la exposición, cómo es percibida por el público y cómo los espectadores pueden llegar a entender que son más un sujeto activo que parte pasiva en el proceso de hacer del arte algo que tenga sentido.

–Se habló también allí de los nuevos centros artísticos: algunos críticos aseguran que el futuro del arte está pasando ya hoy en Shangai, que lo más interesante viene de China.
–Se está haciendo muy buen arte en muchos lugares y, definitivamente, Shangai en concreto, y China en general, está entre ellos, pero el objetivo de las bienales no debe ser identificar las capitales del arte, es la mezcla y la continuidad lo que sustenta estos puntos de interés. Hay muchos centros artísticos en la actualidad y esto no es un concurso entre uno y otro. China está muy bien ahora y, en comparación, Nueva York se está enfriando. Esto es así, pero también hay que saber mirar bajo la superficie en ambos lugares y sobre todo tener en cuenta que hay que observar igual de atentamente a América Latina, África, Europa y el Lejano Oriente. Está claro que el mercado apostará por el lugar donde ocurran las cosas.

Bienal o exposición colectiva
– ¿Qué diferencia sustancial percibe hoy entre una bienal y una muestra temática o colectiva?
–No todas las bienales son lo mismo, algunas, como Venecia, tienen representaciones nacionales y exposiciones temáticas. Otras son simplemente acumulaciones de obras para subrayar una idea o una zona del mundo. Y otras están profundamente enraizadas en el lugar donde se desarrollan y no prestan tanta atención a lo temático. A veces esa segunda versión, la de la acumulación de obras, es lo que las ciudades con escasa actividad artística necesitan más, y otras veces es más apropiada una exposición temática como la última Bienal de Estambul. Pero pocos comisarios de bienales exponen abstracción o instalaciones como si lo hicieran en el contexto de un museo. La máxima diversidad posible, más que la concentración en una o dos cuestiones, es la esencia de las bienales. Con las exposiciones de los museos es más bien a la inversa.

–La Bienal de São Paulo prescinde este año de los pabellones nacionales. ¿Están ya desfasados? ¿Cuál es la postura de Venecia?
–Los pabellones son parte inherente a Venecia, sin duda una de sus características definitorias. Yo he bromeado sobre el estilo ya “pretérito” de los edificios y de las ideas “caducas” que esos edificios encarnan
–Estados Unidos propone el arte más nuevo en un edificio neoclásico colonial–, pero Venecia no sería lo mismo sin estos vestigios del pasado –la ciudad en sí es un vestigio– y el mejor arte pone el anacronismo de los pabellones a la luz de las mejores formas e ideas contemporáneas.

–Con su nombramiento se quiere recuperar Venecia como centro del arte en Europa. ¿Le agrada la idea de ser un comisario-estrella?
–Las instituciones, como las tradiciones, se renuevan o mueren, pero las grandes instituciones y las largas tradiciones artísicas pueden experimentar metamorfosis constantes. A veces, estas transformaciones pueden ser sutiles y otras más dramáticas, como mini revoluciones. Lo importante es recordar que los cambios que están ahora ocurriendo en la Bienal fueron introducidos por sus responsables, no han sido impuestos. Y yo soy sólo uno de los muchos agentes del cambio que tendrán cierta mano durante su desarrollo. ¿Soy consciente de que se piensa en mí como en un comisario estrella? Sí, pero trato de prestar poca atención para poder trabajar. Nunca he sido un actor como Harry Szeemann, pero si lo fuera, sería más un Alec Guiness o un Gene Hackman que se filtrara en mi papel actual, más que un clásico que se reinterpreta a sí mismo.

La herencia de Szeemann
–Hablando de Harald Szeemann, él hizo un gran esfuerzo para recuperar Venecia...
–Harry era un gran “organizador de exposiciones”, término que prefería al de comisario desde que dejó de trabajar con colecciones permanentes de museos, y era un gran showman (por eso no hay que olvidar que él empezó como actor). Su Apertto y su amplia mirada internacional impulsaron la Bienal de Venecia. Además, su aproximación más poética que teórica al arte hizo mucho para liberar a éste de las tendencias académicas de los 70 y posteriores. Ahora, desde luego, el énfasis está puesto en la teoría y eso quizá se refleja en la actual crisis. Mientras la política cultural de carácter autocrítico tiene hoy una importancia fundamental, yo comparto el cometido principal de Harry hacia lo poético, en el sentido más amplio material y conceptualmente. Trabajé con él en diferentes proyectos –en Bonn, Sidney y Moscú– y su entusiasmo y su energía fueron un gran alivio frente a la estrechez de miras de buena parte del mundo del arte. No creo que haya un “modelo Szeemann” y desde luego no creo que haya alguien como Harry, él era un hombre de su tiempo y éste ha cambiado. Pero el ejemplo de su amor al arte pone el listón muy alto a generaciones sucesivas.

–El verano de 2007 será un atracón de eventos, con Venecia, la Documenta de Kassel y el Skulptur Project de Münster. ¿Perjudicará esto a la Bienal?
–Soló dañará a Venecia si la gente piensa de antemano que va a ver lo mismo en todas partes – y no será así– y deciden no acudir pensando que ya conocen lo que se les ofrece. El otro peligro es que todos estos eventos, tan diferentes, serán tratados exactamente igual por la prensa. Sin embargo, el escaso entusiasmo de muchos críticos y su inclinación a fomentar competiciones carentes de significado son una opción que la gente puede elegir descartar o aceptar –yo la descartaré–. Tengo todo el respeto por mis compañeros y cuando termine con mi trabajo en Venecia iré a ver el de ellos para aprender y disfrutar.

El Moma tenía la mejor colección
–Llegó al MoMA en 1990 y estuvo allí más de 10 años, ¿se puede ser original contando la Historia del Arte? ¿Qué diferencia hay entre la historia que muestra el MoMA y la de cualquier otro museo?
–No hay “una” Historia del Arte, ni siquiera en el MoMA. El arte es plural y puede haber muchas miradas posibles. Sin ser chauvinista, el MoMA tenía la más original, amplia y profunda colección de arte moderno internacional de todo el mundo, el gran placer y privilegio de trabajar allí es que los comisarios podían proponer al público muy variadas lecturas. Desde el impresionismo hasta el expresionismo abstracto, desde Picasso y el cubismo hasta el minimalismo, desde Duchamp a Nauman, y además se podía leer al revés. Para que el comisario sea original hay que mirar al presente y al pasado con frescura. Esto también se puede hacer con colecciones menores y más concentradas, y por eso muchos museos están invitando a colegas de otras instituciones a repensar sus salas. El Whitney le ha pedido a, entre otros, Nicholas Serota que reinterprete su colección de arte americano. Quizá un día el Reina Sofía pueda desarrollar este experimento y realizar una reinstalación temporal de sus fondos. Porque el mejor arte siempre sobrevive a la peor exposición, pero hay que buscar modos innovadores de mostrarlo.

–Los museos cambian, se amplían, intentan adaptarse al contenido, aunque a veces sigue mandando el continente sobre los fondos... ¿Cómo se conjugan ambos aspectos?
–Los museos quieren atraer a los turistas con sus edificios, pero lo importante es lo que pasa cuando uno está dentro. Ninguno de los museos nuevos de hoy son mejores que las pinturas, esculturas, fotografías y otras formas de arte que en ellos se encuentran. Porque la arquitectura se apoya en el compromiso y es más susceptible de pasar de moda que el arte. Los mejores edificios de Gehry no son los museos, ni siquiera los de Tadao Ando. El Guggenheim de Lloyd Wright en Nueva York, por ejemplo, es una magnífica arquitectura pero es un museo terrible en el que el arte casi siempre sufre.

La buena salud de la pintura
–Es usted un experto en pintura, ¿cuál es el estado del género hoy?
–Quizá sea en lo único en lo que realmente soy experto. Y la respuesta es que la pintura está viva y goza de buena salud, es variada y contemporánea y estará presente en proporción razonable en mi bienal. Pero como a mi juicio siempre se hace buena pintura, incluso cuando no está siendo discutida, no veo razón para celebrar sus triunfos como se acaba de hacer en Londres. ¿Triunfo sobre qué? Y tampoco soy partidario de tratarla como a una inválida como hacen sus defensores. De los 50 a los 90, las buenas instalaciones, fotos y vídeos han surgido de la buena pintura. Se alimentan unos a otros. Volviendo a la metáfora del cine, en Venecia no habrá ningún género-estrella, será un equipo perfectamente ensamblado.

–¿Qué aspectos le interesan más del arte español actual?
–He estado en España en repetidas ocasiones desde los 70, he hecho exposiciones aquí y haré una esta primavera en Valencia. En mis viajes por el país he visto el trabajo de muchos artistas españoles. No nombraré a ninguno para no generar especulaciones sobre lo que llevaré a Venecia, pero parte de las razones por las que voy a Madrid es para ver qué hay de nuevo en España. Me puede servir para Venecia o para alguna exposición posterior. Yo siempre estoy mirando...

[Foto 1]: R. Storr. Foto de Giorgio Zucchiatti, tomada de El Cultural.

"Territorios" en la 52 Bienale




Hace unas horas tuvo lugar la inauguración de la exposición Territorios, organizada por el Intituto Italo-Latino Americano (IILA) en el marco de la 52º Bienal de Venecia. Aparte de un homenaje a Jorge Eielson -que me ha confirmado hace unos días la Secretaria Cultural del Instituto y curadora de la muestra, Irma Arrestizabal, incluye una pequeña exposición de obra- participan los peruanos Moico Yaker y Patricia Bueno. Una enviada especial de este blog (corresponsal que se desplaza quien sabe si en góndola o vaporetto por los pabellones que aglutina el evento)está por hacerme llegar algunas imágenes de montaje.

En las pocas horas que ha recorrido el lugar, se hace indispensable, me dice, la visita al Pabellón de México y el homenaje dedicado, en el Pabellón de Estados Unidos, a la obra de Félix Gonzáles-Torres, fallecido hace más de diez años.

Warhol: 20 años fueron más que quince minutos

Una frase siempre simpática de Warhol en relación a su propio trabajo es casi una clave para poner en evidencia sus ganas de ocultarse: “Si quieren saberlo todo sobre Andy Warhol, miren la superficie de mis pinturas y mis películas y allí me encontrarán. No hay nada detrás”. Estrella de Diego la toma para llenar, en su libro sobre el artista, varias páginas de sugerentes reflexiones sobre la construcción que la persona hace del personaje, y alude para ello también a un temprano autorretrato del artista realizado en 1948 durante sus años de estudio en el Carnegie Institute of Technology, titulado “Lo ancho me lo dio mi cara, pero puedo escoger mi nariz”.

Ciertamente, Warhol no era un consumidor compulsivo más que un estratégico productor (de serigrafías, de cine, de música y de sí mismo). La expo que se realiza a veinte años de su muerte, en el Centro Cultural de la Católica, inauguró hace un par de semanas bajo la curaduría de Ana Chiara. Las obras pertenecen a la Fundación Mazotta de Milán.

Adjunto dos videos cortos colgados en el blog de Presencia Cultural. Uno de ellos una entrevista (si a sí puede decírsele) donde el artista pone en práctica su consigna: “abre la boca y se acabó tu halo”.


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